The Quai Branly museum is set on quai
Branly in the 7th district of Paris, where was located the Foreign Exchange
Market Department. Ambitious project led by Jacques Chirac (passionated by « primitive
art ») and realised by Jean Nouvel, it has been unveiled the 20th of June
2006.
History
Jacques Kerchache, art seller and african art expert, tried from the
begining of the 1990’s to bring the « primitive arts » into the
Louvre museum. In 1990 he signed in the newpaper Libération an article on this
topic ; the same year he met Jacques Chirac, then mayor of Paris.
The latter is elected president of the Republic in 1995. As soon as he
arrived at the head of the State, he askes for the opening of a primitive art department
at the Louvre museum. One year later he announced the project of creation of a
new museum, which quickly meet an opposition, especiallywith a strike of the personnal of the Man
museum in 1999, to stand in the way of the disassembly of the museum’s
collections and criticize the primacy of the aesthetic choice instead of the
scientific factors.
An architecture competition is sent out in 1999, designating Jean Nouvel as
the architect.
This museum is unveiled the 20th of June 2006 by Jacques
Chirac, in the presence of Kofi Annan, Rigoberta Menchú, Paul Okalik, Dominique
de Villepin, Lionel Jospin and Jean-Pierre Raffarin. The Quai Branly museum has
the status of public administratove institution. It’s placed under the guardianship
of the Department of Culture and Communication, of National Education and of Higher
Education and Research.
The museum is open since the 23th of June 2006.
Now and again, an activity report allow to show the evolution of the number
of visitors. After one month when there have been 151 000 visitors, the medium
is around 125 000 visitors per month.
Collections
The
museum assemble the former collections of ethnology from the musée de
l'Homme (located in the Palais de Chaillot) and those of the National
Museum of African and Ocianian art. Around 300 000 items have been
transfered from the musée de l'Homme; 3500 are esposed in the museum
permanent collection. Immense space without partitions, the items are
divided in big continental "zones": Africa, Asia, Oceania and the
Americas. The items are opened to the public thanks to the
contextualisation of the differents levels of information: cartels,
cultural mediators, texts and multimedia including pictures, films and
musics.
As a complement of the
permanent collections, ten temporary exhibitions per year, split
between the suspended galleries and the garden gallery, space of the
important international exhibitions, allow to present themes while
showing the wealth of the collections.
Building
The whole takes up a surface of 40 600 m² split on four buildings and exposes 3 500 items, selected in a collection which group together 300 000 items. The flat of 5 floors covered by a 800 m² vegetal wall has been designed by the architect Jean Nouvel inreference to the Eiffel tower, closed like a 3 200t bridge on which 31 multimedia cells are suspended on top of a 18 000 m² garden designed by the architect-landscape gardener Gilles Clément.
In this garden, composed of tracks, small hills, ways paved with river
stones, pools favourable to mediation and daydreaming, 178 trees will
be planted. The museum had cost almost 233 millions of euros.
The 4 buildings are:
-
the museum itself, of which the main gallery (200m long) includes
several lateral rooms which are represented outside by coloured boxes.
The museum also includes an auditorium, some lesson classes, a reading
room, a temporary exhibitions space, a restaurant; l - the Université flat includes a library, offices and workshops; - the Branly flat (at the 800 m² vegetal wall level, designed by Patrick Blanc) which inclued the administratuin on 5 levels; - the canopy, which included the multimedia library and the reserves
A
several meters long sinusoidal route in light rise leads from the small
entrance of the site to the collectionsplunged in darkness.
Journal
The museum publishes since 2005 the anthopology and museology journal Gradhiva. This journal, founded by Michel Leiris and Jean Jamin in 1986,
is devoted to the contemporary research in ethnology, history of
anthropology, famous ethnologists' archives and non-western aesthetics.
Because of its topic, Gradhiva is regularly interested in the quai
Branly museum's collection.
Controversies
The
creation of the museum, the biggest project of this kind in the world,
has been proned to some controversies before its opening:
Art or culture ?With the transfer of a large part of the items formerly exposed in the
musée de l'Homme, the question is asked again about the link between
what comes under Art - what has to be exposed in the museum - and what
comes under culture.
What is a "art premier" ?The notion of "art premier", pretty recent, is itself proned to
controversies, because it could make the peoples who product it as primitives.
This evolutionnist conception is widely refuted, for example by the
anthropologists. Even if at the begining of the creation of the project
the qualification "Arts premiers museum" was sometimes annouced, today
it seems to be perfectly incorrec. Despite this connotation, th eterm
"arts premiers" has been taken in the informal language. .
Representation equality for every people of the world. If
the museum has the vocation to expose the artistic production of the
whole world civilisations, we can notice a large disparity of
representation. For example the opening of this museum has created
protests in Quebec because of the almost-absence of canadian works of
art. Thus, the Great White North Inuit are reprensented by a simlple
comb, and the first Quebec nations by two weaved belts.
L'ensemble
des critiques se rapportant à la genèse, à la création et au coût de ce
musée font l'objet d'un ouvrage de l'ethnologue Bernard Dupaigne, professeur au Muséum national d'histoire naturelle, paru en 2006 sous le titre « Le scandale des arts premiers. La véritable histoire du musée du quai Branly ».
Bibliography
Bernard Dupaigne, Le Scandale des arts premiers. La véritable histoire du musée du quai Branly, Mille et une nuits, Paris, 2006, ISBN 284205962X, 261 p.
Germain Viatte, Yves Le Fur, Christine Hemmet et Hélène Joubert, Le guide du musée du quai Branly, Musée du Quai Branly, Paris, 2006, ISBN 2915133182, 307 p.
Stéphane Martin, Chefs-d'œuvre : Dans les collections du musée du quai Branly, Musée du Quai Branly, Paris, 2006, ISBN 2915133212, 113 p.
L’étrange
étranger – « D’un regard l’autre », l’exposition-manifeste du musée du
quai Branly, Télérama, Hors-Série, 20 septembre 2006.
Quai Branly – le musée de l’Autre, Télérama, Hors-Série, 20 juin 2006.
Benoît De L’Estoile, Le goût des autres. De l’exposition coloniale aux arts premiers, Paris, Flammarion, 2007.
Sally Price, Paris Primitive: Jacques Chirac's Museum on the Quai Branly,
Chicago, University of Chicago Press, 2007 (Paris Primitif : le musée
de Jacques Chirac sur le quai Branly, publication prévue en novembre
2007).
Rita Di Lorenzo, « Notre musée
d’autrui - Réflexions sur la beauté du Musée du Quai Branly », paru
dans MEI – Médiation et Information n. 24/25 (2006), Paris, éd.
Harmattan, avril 2007.
Thule, Rivista italiana di Studi Americanistici n°16-17 Regards croisés sur l’objet ethnographique : autour des arts premiers (sous la direction de Giulia Bogliolo Bruna), 2006.
african
art / art africain / primitive art / art primitif / arts premiers / art
gallery / art tribal / tribal art / l'oeil et la main / galerie d'art
premier / Agalom / Armand Auxiètre / www.african-paris.com /
www.agalom.com
Enchevêtrement de cordes, accumulation d’éléments hétéroclites, petits
tas innommables, tels sont les objets de divination d’Afrique présentés
dans cet ouvrage. Ces figures de l’informe, perçues parfois comme
repoussantes et étranges, sont bien plus familières qu’on le suppose au
premier abord, et ne parlent pas d’autre chose que de la vie et des
innombrables fils de l’existence, qui ne cessent de se nouer et de se
défaire. Il ne s’agit pas là d’un quelconque hommage à une Afrique
mystérieuse et fétichiste, mais d’honorer la créativité humaine et la
variété des formes qu’elle sait emprunter.
Exposition. Musée du quai Branly (2009) Recettes des dieux : esthétique du fétiche Actes Sud 19,90 € Collectif sous la direction de Jacques Kerchache L'art africain Citadelles & Mazenod 199,00 € Faïk-Nzuji, Clémentine M. Arts africains : signes et symboles De boeck 42,00 € Collectif Empreintes d'afrique : art africain, art moderne L'atelier 9,91 € Bassong, Mbog Esthétique de l'art africain : symbolique et complexité L'Harmattan 21,00 € Diagne, Souleymane Bachir Léopold Sédar Senghor, l'art africain comme philosophie : essai Riveneuve 15,00 € Exposition. Afrikamuseum (2007-2008) Ubangi, art et cultures au coeur de l'Afrique Actes Sud 99,95 € Lecomte Alain Art, magie et médecine en Afrique Noire Gallerie Alain Lecomte 35,00 € Exposition. Fondation Dapper (2007-2008) Animal Musée Dapper 45,00 € Exposition. Fondation Dapper (2006-2007) Gabon : présence des esprits Musée Dapper 38,00 € Exposition. Fondation Dapper (1996-1997) Magies Musée Dapper 44,97 € Exposition. Fondation Dapper (1997) Réceptacles Musée Dapper 42,69 € Exposition. Musée du quai Branly (2007) Objets blessés : la réparation en Afrique Musée du quai branly 25,00 € Fiemeyer, Isabelle Marcel Griaule, citoyen dogon Actes Sud 25,00 € Kedzierska Agnieszka, Jouvelet Benoït Guérisseurs et féticheurs : la médecine traditionnelle en Afrique de l'Ouest Alternatives 25,00 € Lainé Daniel, Stamm Anne, Saulnier pierre Dieux noirs Arthaud 40,00 € Pietz, William Le fétiche : généalogie d'un problème Eclat 20,00 € Griaule, Marcel Dieu d'eau : entretiens avec Ogotemmêli Fayard 20,00 € Collectif sous la direction de Umberto Eco Histoire de la laideur Flammarion 39,90 € De Pascale, Enrico La mort et la résurrection Hazan 27,00 € De Clippel Catherine, Colleyn Jean-paul Secrets : fétiches d'Afrique La Martinière 35,00 €
ETHNOLOGIE ET ESTHETIQUE DU FETICHE CATALOGUES D'EXPOSITION CATALOGUE DE L'EXPOSITION L'ART AFRICAIN Recettes des dieux - Esthétique du fétiche exposition dossier, du 3 février au 10 mai 2009 musée du quai Branly bibliographie sélective RMN - Département du livre - librairie RMN du quai Branly Bibliographie Recettes des dieux - esthétique du fétiche
Coppo, Piero Les guérisseurs de la folie, histoire du plateau dogon : ethnopsychiatrie Les empêcheurs de penser en rond 14,33 € Surgy, Albert de La divination par les huit cordelettes chez les Mwaba-Gurma ( Nord Togo ). Volume 2, L'initiation du devin et la pratique divinatoire L'Harmattan 29,00 € Surgy, Albert de La voie des fétiches : essai sur le fondement théorique et la perspective mystique des pratiques des féticheurs L'Harmattan 33,55 € Surgy, Albert de Nature et fonction des fétiches en Afrique noire : le cas du Sud-Togo L'Harmattan 42,70 € Hubert, Jacques Rites traditionnels d'Afrique : approche pour une théologie liturgique inculturée L'Harmattan 18,00 € Tobia-Chadeisson, Michèle Le fétiche africain : chronique d'un malentendu L'Harmattan 23,00 € Didi-Huberman, Georges La ressemblance informe ou Le gai savoir visuel selon Georges Bataille Macula 30,00 € Clément Catherine, Nathan Tobie Le divan et le grigri O. Jacob 8,40 € Assoun, Paul-Laurent Le fétichisme PUF 8,00 € Meyer, Laure Objets africains Terrail 19,00 € Leiris, Michel Objets rituels dogons Toguna 3,50 € Collectif Gris-gris, fétiches et porte-bonheur Cerisaie 14,00 € Pavy, Agnès Fétiches le Cherche Midi 14,50 € Soalma, Bwénimavé La case aux fétiches : légendes des savanes d'Afrique (Burkina-Niger) L'Harmattan 22,00 € N'Diaye, Bokar La mort des fétiches de Sénédougou Présence africaine 18,29 € Badian, Seydou Noces sacrées Présence africaine 6,10 € Collectif L'essentiel de la sagesse africaine Presses du Chatelêt 12,00 € Hergé Tintin au Congo Casterman 17,95 € Geoffroy-Schneiter Bérénice, Jean Christine Ekomi, le messager des esprits Dapper 11,00 € Gabriel Kinsa, Zaü, François place Sorcier du fleuve Diata association 13,00 € Djeukam, Anselme La case mystérieuse : Cameroun L'Harmattan 7,00 € Govignon, Brigitte L'art en puzzles : l'Afrique Mango-Jeunesse 10,50 € Nille, Peggy Mes créations du monde, Afrique Mila 8,95 € Lebot, Sophie Mon grigri en feutrine Milan jeunesse 6,50 € Pied, Savine Crée des objets d'Afrique Père Castor-Flammarion 7,50 € Sellier Marie, Lesage Marion L'Afrique, petit Chaka… Réunion des musée nationaux 13,00 € CONTES ET ROMANS JEUNESSE Bibliographie Recettes des dieux - esthétique du fétiche
Dès
le XVIème siècle, un certain nombre de pièces en ivoire sculptées par
les artistes africains, provenant de zones qui correspondent à
l'embouchure du Congo, à la Sierra Leone et au Nigéria actuels, sont
entrés dans des collections aristocratiques, moins comme des objets de
curiosités que comme des oeuvres exotiques et luxueuses. Cette
exposition réunit une vingtaine des plus anciens objets africains
collectés par les Européens et conservés aujourd'hui dans des
collections françaises, accompagnés de documents mettant en valeur la
profondeur historique du continent africain et de ses productions ainsi
que la question de la circulation des motifs iconographiques entre
Europe et Afrique. Ivoires d'Afrique présente au grand public un aspect peu connu de l'histoire du goût et de l'histoire de l'art.
Commissariat : EZIO BASSANI
Italien de Varèse, éminent spécialiste des arts africains, Ezio
Bassani a commencé, en 1973, par faire la compilation du catalogue sur
la sculpture africaine dans les musées italiens. À partir de 1977, il a
enseigné l’histoire des arts africains à l’Università Internazionale
dell’Arte (U.I.A.) de Florence. Grâce à ses connaissances
historiques, il a été nommé membre du Comité scientifique de
l’Université florentine (U.I.A)., du Comité de la Rédaction de la revue
Critica d’Arte, du Comité des conseillers éditoriaux internationaux du
Journal of the History of Collections à Oxford. Il a également fait
partie du Conseil Scientifique de la Mission de préfiguration du Musée
des Arts et des Civilisations (musée du quai Branly) à Paris. Parallèlement
à ces responsabilités, Ezio Bassani a été le commissaire - et l’auteur
des catalogues – de plusieurs expositions qui se sont déroulées en
France, en Italie, aux Etats-Unis, au Japon, en Suisse, et en Belgique.
Il a notamment réalisé l’exposition Afrique, chefs d’œuvres d’un
continent à Turin, en 2004.
Ivoires d'Afrique
dans les anciennes collections françaises
L’arrivée en Europe d’œuvres en ivoire d’origine africaine, à la fin
du xve siècle, à l’époque des premières explorations et au début du
XIXe siècle, lorsque le continent devient territoire de conquête pour
les puissances coloniales, révèle l’existence jusqu’alors insoupçonnée
de civilisations africaines évoluées. Si certains ivoires étaient
destinés à l’usage intérieur, comme les olifants, marques de dignité,
d’autres ont été créés à la demande de navigateurs portugais pour
l’exportation. On désigne ce second ensemble par l’expression « ivoires
afro-portugais ». Ces pièces raffinées étaient notamment prisées par
les rois et les princes, amateurs de curiosités exotiques. Le catalogue
présente vingt-cinq sculptures africaines en ivoire provenant de
l’embouchure du Congo, de la Sierra Leone et du Nigeria actuels.
Enrichi de photographies privilégiant en particulier les gros plans, et
de nombreux documents (gravures, dessins, tableaux…), il souligne
l’ancienneté et la richesse des collections françaises tout en
permettant de mieux cerner le contexte des contacts entre l’Europe et
le continent noir.
Produit par le Museum für Völkerkunde (musée d’ethnologie) de
Vienne, le catalogue Bénin, cinq siècles d’art royal permet de
découvrir les chefs-d’œuvre de l’art de cour du royaume de Bénin situé
au sud de l’actuel Nigeria.
Ouvrage de référence de plus de 500 pages, édité pour cette vaste
rétrospective, il inclut une présentation des traditions locales du
Nigeria, fait le point sur les recherches de terrain les plus récentes
et propose une analyse historico-culturelle, symbolique et
iconographique des objets exposés, d’une importance cruciale pour
l’identité du royaume de Bénin.
Il est le parfait miroir de l’exposition qui regroupe, pour la
première fois en Europe, des collections provenant principalement
d’Angleterre, d’Allemagne et d’Autriche. L’ensemble de ces œuvres,
d’une remarquable unité historique, dessine un vaste panorama de l’art
et de la culture du royaume de Bénin.
Trésors de l’humanité et pièces maîtresses des musées du monde
entier, de magnifiques bronzes et des sculptures en ivoire sont au
cœur du parcours., complété par des cartes, des manuscrits et des
chroniques de voyages, autant d’indices, pour le lecteur, de l’immense
richesse du passé du Nigeria.
cinq siècles d'art royal
2 octobre 2007 – 6 janvier 2008
Commissaire : Barbara Plankensteiner, directeur des collections Afrique du musée d’Ethnologie de Vienne.
Produite par le musée d’Ethnologie de Vienne, l’exposition Bénin
propose de découvrir les chefs d’œuvre de l’art de cour du Royaume de
Bénin. Cette exposition rassemble, pour la première fois en Europe, des
collections provenant principalement d’Angleterre, d’Allemagne et
d’Autriche. L’ensemble de ces œuvres, d’une remarquable unité
historique, dessine un vaste panorama de l’art et de la culture du
Royaume de Bénin. Bronzes et ivoires mais aussi cartes, manuscrits et
chroniques de voyages constituent pour le visiteur autant d’indices de
l’immense richesse du passé du Nigeria.
Le catalogue réalisé pour l’exposition Ideqqi, art de
femmes berbères, est la première synthèse sur l’art de la poterie
berbère en Algérie, spécifiquement féminin. Il est basé sur les
collections du musée du quai Branly, particulièrement riches.
Après une introduction de Marie-France Vivier, commissaire de
l’exposition, Ernest Hamel brosse un panorama historique de la poterie
kabyle, tandis que Claude Presset, à travers une iconographie
sélectionnée, propose les étapes de fabrication, du pétrissage à la
cuisson. Les textes de Dalila Marsly présentent les différentes
fonctions des objets exposés, notamment à travers leurs usages
domestiques. Enfin, le dernier texte de Marie-France Vivier permet
au lecteur de comprendre la symbolique des décors, en dressant
certaines comparaisons, avec, par exemple, les tatouages des femmes
kabyles photographiées il y a plus de quarante ans par Marc Garanger.
descriptif
96 pages au format 20 x 26 cm
62 planches en couleurs, et 97 vignettes (catalogue raisonné)
3 cartes géographiques
Prix de vente public : 25 €
isbn 2-915133-59-2 / 978-88-7439-381-7
Coédition musée du quai Branly/5 Continents
commissaire de l'exposition
Marie-France Vivier, conservateur honoraire, responsable des
collections de l’Afrique septentrionale au musée du quai Branly. Elle
est notamment l’auteur de Une passion pour l’art africain (Joël Cuenot, 2005), Algérie, mémoire de femmes (Paris-Musées 2003).
19 juin – 16 septembre 2007
Ideqqi, arts de femmes berbères met
l’accent sur une forme d’art populaire authentique, encore largement
ignoré du grand public. La poterie modelée est un témoin aussi précieux
que fragile d’un lointain passé : formes arrondies et moulées, décors
incisés ou en relief - que l’on retrouve dans les pièces du
néolithique-, décors peints - qui s’apparentent à ceux des vases
puniques et des poteries siciliennes. L’exposition met en lumière
l’originalité de ces pièces par rapport aux faïences citadines, et
souligne leur ancrage africain très marqué et leur relation étroite
avec l'art ancien de la Méditerranée.
Commissaire : Marie-France Vivier, ancienne responsable des collections de l’Afrique septentrionale au musée du quai Branly.
Réparer, recoudre, consolider, colmater… Objets blessésaborde le thème inexploré de la réparation locale par les populations
autochtones. Cette publication ouvre un regard nouveau sur les objets
africains, et présente 120 « objets blessés » choisis parmi les 500
objets réparés du musée du quai Branly. Le catalogue propose de
nombreux points de vue car chaque culture donne à la réparation des
objets, rituels ou usuels, une forme et un sens différents.
Mais il s’interroge aussi sur le caractère poétique de la
restauration. Par ce supplément presque mystique de vie et de puissance
que le geste de l’homme confère à l’objet, celui-ci semble durablement
soustrait à l’éphémère. En outre, la réparation est une marque
d’authenticité, si tant est qu’on ne cherche pas à la falsifier.
La première partie précise les sens du mot « réparation », aussi
bien en français que dans un certain nombre de langues africaines. Puis
sont mises en évidence les différences entre réparation et
restauration. Enfin une réflexion ethnologique situe l’acte de
réparation dans la vie complexe de l’objet.
La deuxième partie explore le sens de la réparation pour les trois
principales religions présentes dans le continent : l’animisme, l’islam
et le christianisme.
La troisième partie soulève, de façon plus analytique, la question
de la réparation pour trois cultures différentes : Maghreb, Dogon,
Gabon.
Enfin, le dernier texte montre l’importance des concepts de déchirure et de réparation dans l’art occidental contemporain.
descriptif
96 pages au format 20 x 26 cm
58 illustrations en couleurs
Prix de vente public : 25 €
Isbn 978-2 915-133-48-6 / 978-88-7439-380-0
Coédition musée du quai Branly – 5 Continents
commissaire de l'exposition
Gaetano Speranza, société d’ethnologie, université Paris X-Nanterre.
les auteurs
Hana Chidiac, Michèle Dejean, Marie-Claude Dupré, Éric Jolly,
Kadidia Kane Devautour, Salia Malé, Françoise Monnin, Louis Perrois,
Albert Rouet, Paulette Roulon-Doko
"objets blessés" aborde le thème inexploré de la réparation locale par les populations autochtones.
L’exposition porte sur les collections africaines du musée du quai
Branly, et présente 110 « objets blessés » choisis parmi les 500 objets
réparés de la collection (60 000 pièces).
Un programme vidéo et des photographies complètent l'exposition en
apportant un regard contemporain sur les réparateurs maliens.
Editorial par Gaetano Speranza, commissaire de l’exposition Objets blessés
Calebasse, Mali
Calebasse détail
«
A l’origine, l’idée est simple : nous étudions et exposons la
réparation, largement présente en Afrique, mais négligée dans nos
collections et dans nos recherches. Mais tout se complique dès que nous
nous interrogeons sur le sens des mots.
On répare une calebasse cassée. Mais répare-t-on aussi la Mosquée de
Djenné ? Les poteaux qui sortent du corps de la Mosquée sont en même
temps des éléments structurels inhérents à sa construction, et des
marches permettent de la parcourir lorsqu’il est nécessaire de la
remettre en état.
En Occident, on ne répare pas une cathédrale ; on la restaure ou on
la consolide, et l’on détruit des gratte-ciels pour les remplacer par
d’autres.
Masque, Côte d'Ivoire
Gardien de reliquaire, Kota, Gabon. Détail
Si
un récipient percé ou cassé ne remplit plus sa fonction, il doit être
réparé ou remplacé. Mais à partir de quel degré de dégradation un
masque ou une statue perdent-ils leur fonctionnalité rituelle ? Et par
quel type d’intervention peut-on restaurer cette fonctionnalité ? La
réparation a-t-elle ce seul objectif ou vise-t-elle seulement à
empêcher la dégradation ultérieure de l’objet ?
Il est aussi des interventions dont le résultat ressemble à s’y
méprendre à une réparation et qui, pourtant, ne sont qu’ajout, simple
décor. Parfois même, ce qui apparaît comme une réparation n’est qu’une
partie constitutive de la structure d’origine de l’objet. Par exemple,
une grosse ligature de ficelle qui couvre les jambes d’une statue peut
être le simulacre d’une maladie.
Mariam Traoré et Sitan Koumaré. Réparation d'un pot en terre cuite
Dans
une harpe, on remplace les cordes, et si une clé casse, on la remplace
aussi, mais s’agit-il de réparation ou d’entretien ? En revanche, si un
rat mange la peau de la table qui entoure l’ouie, on recoud un morceau
de peau et il s’agit bien de réparation.
Et si l’on colmate une fente dans un statue, avec du tissu ou de la résine, peut-on encore parler de réparation ?
Enfin, pouvions-nous penser que les dieux allaient s’en mêler ?
Chaque religion, chaque culture donne un sens différent à l’objet, à
ses blessures, à ses réparations. Ainsi, le concept apparemment simple
et univoque de « réparation » nous apparaît progressivement dans toute
sa complexité. »
Les masques-cimiers Ciwara font partie des pièces les plus connues
de l’art africain. Chefs-d’œuvre incomparables des cultures bamana
(Mali) et sénoufo (Mali, Côte d’Ivoire), symboles énigmatiques et
emblématiques de l’art africain, les clichés foisonnent lorsque l’on
évoque ces fameux cimiers de tête. Il existe peu de sculptures dites
traditionnelles en Afrique qui aient suscité autant d’admiration de la
part des amateurs et collectionneurs. Ce catalogue a pour but de
combler cette lacune et de proposer une mise au point scientifique sur
le sujet. Il évoque notamment la perméabilité des frontières
artistiques et l’usage de ce type d’objets qui ne sortent pas
uniquement lors des rites agraires mais à plusieurs occasions au cours
de l’année (divertissement, cérémonies importantes telles que
funérailles, lutte contre les morsures de serpent,…). Il met également
en avant la richesse du musée, sans équivalent dans les collections
internationales, avec ses cinquante-cinq masques reproduits à la fin de
l’ouvrage.
descriptif
96 pages au format 20 x 26 cm
70 illustrations, et 55 vignettes pour le catalogue raisonné
cartes
prix de vente public : 25 €
isbn 2-915133-15-8 / 88-7439-318-0
Coédition musée du quai Branly/5 Continents
commissaire de l'exposition
Lorenz Homberger, directeur adjoint du musée Rietberg, Zürich
les auteurs
Jean-Paul Colleyn, directeur d’étude à l’EHESS et Aurélien Gaborit, chargé des collections Afrique, musée du quai Branly
photographies contemporaines de Catherine De Clippel
Ciwara, chimères africaines
23 juin – 17 décembre 2006
Les
masques cimiers Ciwara sont emblématiques de l’art de l’Afrique de
l’Ouest, particulièrement représentatifs du goût des collectionneurs
d’art « primitif » du XXe siècle. De très nombreux exemplaires ciwara se trouvent depuis lors dans des collections publiques ou privées de par le monde. Cette
exposition montre l’aspect traditionnel de la société bamana,
essentiellement, du Mali, tout en mettant l’accent sur l’aspect
esthétique de ces cimiers antilopes en bois sculpté, gravés, patinés,
peints, dont les formes stylistiques et les matériaux varient en
fonction des régions et de l’évolution du temps. Les danses de la
société ciwara sont liées aux rites agraires et, par conséquent, à
l’idée de fertilité, de fécondité, d’ensemencement. En s’efforçant de
maîtriser les éléments de la nature - que miment les contorsions des
masques d’antilope au cours des cérémonies - les hommes cherchent à
faire des animaux leurs alliés. Selon les villages, ces masques qui
généralement sortent en couple, peuvent avoir un usage différent. Mais
dans tous les cas, ce sont des objets fédérateurs et protecteurs pour
la communauté, d’autant plus qu’ils peuvent être vus de tous, n’étant
pas réservés aux seuls initiés. Largement répandu au Mali, le culte ciwara connaît un déclin progressif.
le parcours de l’exposition
L’exposition présente quatre ensembles régionaux conformes aux différents styles de cimiers :
1 - Le style de la région de Bougouni
Les masques de cette région présentent plusieurs motifs animaux
combinés sur la même pièce. D’après les mythes bamana, ils
remonteraient à une époque ancienne et seraient l’attribut d’une danse
frénétique de l’antilope qui aurait offert aux hommes leur première
céréale.
2 - Le style de la région de Bamako
Dans la zone d’influence de Bamako et au nord du fleuve Niger, la
structure du cimier est marquée par l’horizontalité; les cornes de
l’antilope, symbole de la poussée du millet gagnent en largeur et sa
gueule est ouverte, laissant apparaître la langue.
3 - Le style de la région de Ségou
Les antilopes rattachées à ce style extrêmement raffiné donnent une
impression de verticalité accentuée. Le mâle se différencie de la
femelle. Il est en effet plus grand avec un sexe fortement marqué.
4 – Les autres régions stylistiques
Parmi les productions dont il est difficile de déterminer l’origine,
un dernier groupe stylistique de cimiers est attribué, avec moins de
certitude, à la région de Sikasso caractérisée par ces masques aux
lignes épurées et aux formes raffinées et stylisées. Outre quelques
photographies qui scanderont le parcours de l’exposition, la projection
de films permettra de montrer les masques en mouvement.
la culture bamana du Mali dans le parcours permanent du musée
Dans
une vaste zone consacrée à l’Afrique occidentale, une douzaine de
vitrines plus ou moins rapprochées (entre AF 20 et AF 105) contiennent
des objets bamana de tous genres et de styles très variés : boubou
brodé, tunique talismanique, statues en bois, objets sacrés du Kono, lances anthropomorphes, masques et cimier, serrure, instruments de musique, bonnets et pagne de chasseur.
le catalogue
Ciwara, chimères africaines, sous la direction de Lorenz Homberger, 96 pages, coédition musée du quai Branly/5 Continents, 25 €
qu’est-ce qu’une exposition dossier ?
Il
s’agit d’une exposition, le plus souvent à caractère ethnographique et
thématique, d’une durée de visite d’environ I/2 heure, qui présente et
met en valeur la richesse et la diversité des collections du musée du
quai Branly.
Histoire des regards européens sur l’Afrique, l’Amérique et l’Océanie
D’un regard l’Autre est consacrée aux visions successives portées
par les Européens sur les cultures d’Afrique, des Amériques et
d’Océanie. Ce programme est un prétexte pour mettre en perspective, par
des séries thématiques, la relativité de nos regards au seuil d’un
nouveau musée. Plutôt qu’un retour vers le passé, ce catalogue (et
l’exposition qui en est la source) marque un point de départ.
De la Renaissance jusqu’à aujourd’hui, les « idoles des Sauvages »,
« instruments des naturels », « fétiches primitifs », « sculptures
nègres » ou « arts premiers » furent les témoins des goûts et des
dégoûts, révélateurs des réflexions sur l’altérité. L’originalité de la
publication tient à cette profondeur historique qui permet d’inscrire
ces objets dans une histoire de l’art élargie.
Le musée du quai Branly fait appel non seulement à des œuvres
d’autres cultures témoignant des premiers contacts avec l’Europe, mais
aussi aux œuvres européennes au milieu desquelles elles furent
disposées. Le catalogue montre ainsi, en une suite de chapitres
singuliers, comment les regards européens ont progressivement admis
d’autres créations, passant, par exemple, de la curiosité émerveillée
aux classements systématiques, des errances évolutionnistes aux images
de l’Universel.
Au fil des pages, le lecteur voyage avec la Nef de Charles-Quint,
trésor du musée d’Écouen, les portraits d’indiens du Brésil peints en
1637 pour le palais du prince de Nassau, les coupes en corne de
rhinocéros des Habsbourg, un masque précolombien en turquoise monté par
les Médicis dans une pièce d’orfèvrerie, les ivoires afro-portugais du
XVIe siècle, le costume de deuilleur de Tahiti rapporté par le
capitaine Cook, un mystérieux crâne de cristal, La charmeuse de serpent
du Douanier Rousseau, un masque Punu acquis par Picasso en 1908, Noire
et blanche de Man Ray…
descriptif
Relié
352 pages au format 25,8 x 28,5 cm
420 illustrations en couleurs
prix de vente public : 49 €
isbn 2-915133-32-8 / 2-7118-5219-9
Coédition musée du quai Branly/Réunion des musées nationaux
commissaire d'exposition
Yves Le Fur, directeur adjoint du département du patrimoine et des
collections, responsable des collections permanentes, musée du quai
Branly
18 septembre 2006 – 21 janvier 2007, Galerie jardin
Cette
exposition met en perspective la multiplicité des regards que l’Europe
a portés sur les cultures d’Afrique, d’Amérique et d’Océanie,
découvertes par voie de mer essentiellement, de la Renaissance à nos
jours. Véritable manifeste pour le nouveau musée, elle pose la
question de l’altérité à travers un exceptionnel ensemble d’objets.
Idoles, bibelots exotiques, fétiches, sculptures primitives tracent la
diversité de ces approches qui amorcent une histoire de la culture
occidentale dans son rapport à l’Autre, perçu tantôt comme l’être
originel, pur et innocent, tantôt comme le sauvage ou le cannibale aux
instincts sanguinaires. Des pièces européennes sont ainsi également
montrées afin de mieux faire comprendre le contexte dans lequel les
œuvres d’autres cultures ont pu être accueillies. Cette promenade
dans le temps et l’espace invite à suivre l’évolution et les errances
du goût, entre l'émerveillement et l'effroi, la curiosité et le
fantasme, le mépris et la reconnaissance.
le parcours de l’exposition
L’exposition
s’articule autour de grandes thématiques qui se déclinent à partir d’un
certain nombre de repères chronologiques. On y retrouve des constantes
: la présence récurrente d’un certain type d’objets (les armes
notamment), de certaines images (le sauvage, l’Eden) et la permanence
d’une réflexion toujours renouvelée sur l’homme et l’univers.
1. théâtre du monde
Ce premier tableau de l’histoire des regards débute à la Renaissance
dès la fin du XVe siècle avec les premières conquêtes des « terra
incognita », notamment les côtes de l’Afrique et l’Amérique
précolombienne, et se termine vers 1760 au moment où se précise l’étude
de la cartographie et du corps anatomique. La connaissance du dehors et
du dedans se font alors écho dans une même volonté encyclopédique. Les
cabinets de curiosité ou « chambres des merveilles » font aussi leur
apparition avec pour objectif de rassembler en un microcosme le
macrocosme de l’univers, l’ensemble des savoirs, les technologies
nouvelles. Ainsi, toutes sortes d’objets hétéroclites (ce qui a
trait aux parures et aux vêtements, les matières rares et précieuses,
les coquillages, les insectes, les plantes aux vertus prétendument
médicinales, les fossiles, crânes et squelettes, les vestiges de
l’Antiquité …) sont-ils réunis en fonction de leur forme et de leur
pouvoir analogique.
2. histoires naturelles du monde
Entre 1760 et 1800 environ, l’exploration du Pacifique favorise la
rencontre de mondes en apparence antagonistes. De grandes expéditions
souvent constitué de savants, botanistes, cartographes, peintres ou
aquarellistes et dirigées par de grands navigateurs : Cook,
Bougainville, La Pérouse, parmi les plus illustres, sillonnent les Mers
du Sud. Le regard de ces voyageurs sur les moeurs et les coutumes des
« naturels » influencera le goût des Européens. Les pièces en or, en
ivoire ou en plumes, par exemple, seront particulièrement prisés et
recherchés. La notion de « bon sauvage » concernant les hommes, et
celle de « curiosités exotiques » propre aux œuvres réalisées dans ces
contrées lointaines se développe à l’aulne des Lumières. En Occident,
naît le sentiment de l’étrange, du singulier, de l’insolite,
inséparable d’une sorte de fascination mêlée de crainte pour ces objets
qui, en étant détournés de leur destination d’origine, gagnent en
mystère.
3. spécimens ou le grand herbier du monde
La première moitié du XIXe siècle est marquée par un intérêt
grandissant pour les sciences naturelles. La flore, la faune, de même
que les « productions matérielles » des populations autochtones
d’Amérique ou d’Océanie, sont classifiées, répertoriées, cataloguées
suivant leur provenance et leur usage, et commencent à prendre place
dans les premiers musées européens. Cette collecte élargie due à un
approfondissement des connaissances n’exclut pas une vision déformée ou
transposée, souvent pittoresque et idéalisée des pays et des hommes
rencontrés. L’artiste voyageur répond par l’imaginaire aux visées
méthodologiques des savants. Les témoignages de cette époque oscillent
ainsi souvent entre réalisme documentaire et cliché exotique ouvert sur
le merveilleux.
4. science des peuples, l’invention de l’humanité
Bien que l’esclavage ait été aboli en France en 1848, le regard
porté sur l’Autre, à partir des années 1850, ne s’est pas ennobli. Loin
s’en faut. L’anthropométrie ou les théories évolutionnistes,
établissant une hiérarchie entre races inférieures appelées à
disparaître et races supérieures, vont dans le sens du colonialisme et
d’un impérialisme qui se cache derrière l’idée de civilisation. Les
musées d’ethnographie, parallèlement, voient le jour et s’enrichissent
grâce à des missions à l’étranger de plus en plus fréquentes. A cet
égard, les trophées d’armes largement représentées, et les premières
prises de vue photographiques illustrent bien la notion de capture,
florissante en cette fin de XIXe siècle. Au contraire, l’exposition de
fétiches ou de « grossières idoles » dénoncent la barbarie des
« indigènes », qualifiés régulièrement de sauvages. Il faut attendre
le début du XXe siècle pour que d’autres regards se posent sur les
objets dits primitifs et les hommes qui les ont créées.
5. mutation esthétique
La reconnaissance se fait avant tout au début du XXe siècle par les
poètes, collectionneurs et artistes cubistes, expressionnistes,
fauvistes, surréalistes. Cette prise de conscience d’un panthéon de
l’art universel, qui englobe toutes les cultures, passe par la
redéfinition des termes jusqu’alors employés. Les mots « sauvage »,
« nègre » ou « primitif » perdent leur connotation péjorative et sont
associés à la notion d’« œuvre d’art » qui n’avait pas vraiment droit
de cité. « Cannibale », « magie », « fétichisme » sont réutilisés
également en réaction contre des codes bourgeois et à un académisme du
goût. Tandis que l’exposition coloniale de 1931 laisse à penser,
pourtant, que les préjugés raciaux sont toujours tenaces, une réflexion
de plus en plus pointue s’est amorcée sur l’identité de l’objet, sa
fonction, son mode de création, même s’il est encore question de
styles, de groupes ethniques et d’anonymat de l’artiste. Les critères
esthétiques n’en sont pas moins éclectiques, inégaux et dépendent
beaucoup des modes qui sont lancées et suivies... En 1947, André
Malraux construit son « Musée imaginaire », « immense éventail des
formes inventées » dans lequel les arts primitifs rejoignent les arts
sacrés des grandes civilisations. Depuis, quelques manifestations
importantes dont l’entrée des « arts premiers » au Louvre confirment la
valorisation de sociétés trop souvent méconnues et cette noblesse du
regard qui a fini par s’imposer au fil du temps. Une place importante est réservée à la photographie dans l’exposition. Issus
des principales collections ethnographiques françaises, souvent
inédits, les portraits et paysages qui y sont montrés, témoignent d’une
certaine conception de l’exotisme propre au XIXe siècle. Au siècle
suivant, la photographie, elle aussi, change de statut, passant du
stade de simple document au rang d’œuvre d’art.
l’exposition internationale
Il
s’agit d’une exposition, qui rassemble des œuvres exceptionnelles
(fonds du musée du quai Branly, prêts de grands musées étrangers, art
contemporain, créations ...) pendant 3 à 4 mois. Sa durée de visite est d’environ une heure et demie. Il en est prévu trois pour la saison 2006-2007.
J’ai
un corps bien à moi, semble-t-il, et c’est ce qui fait que je suis
moi. Je le compte parmi mes propriétés et prétends exercer sur lui ma
pleine souveraineté. Je me crois donc unique et indépendant. Mais c’est
une illusion, car il n’est pas de société humaine où l’on pense que le
corps vaille par lui-même. Tout corps est engendré, et pas seulement
par ses pères et mères. Il n’est pas fabriqué par celui qui l’a, mais
par d’autres. Pas plus en Nouvelle-Guinée, en Amazonie ou en Afrique de
l’Ouest qu’en Europe, n’est-il pensé comme une chose. Il est au
contraire la forme particulière de la relation avec l’altérité qui
constitue la personne. Selon le point de vue de l’anthropologie
comparative adopté ici, cet autre est, respectivement, l’autre sexe,
les espèces animales, les morts ou le divin (sécularisé, à l’âge
moderne, dans la téléologie du vivant). Oui, mon corps est ce qui me
rappelle que je me trouve dans un monde peuplé, par exemple,
d’ancêtres, de divinités, d’ennemis ou d’êtres du sexe opposé. Mon
corps bien à moi? C’est lui qui fait que je ne m’appartiens pas, que
je n’existe pas seul et que mon destin est de vivre en société.
descriptif
224 pages au format 24 x 26 cm
240 illustrations en couleur
1 carte
prix de vente public : 45 €
isbn 2-915133-17-4
Coédition musée du quai Branly/Flammarion
commissaire d'exposition
Stéphane Breton, anthropologue, réalisateur de films documentaires,
maître de conférences à l'EHESS, membre du laboratoire d'anthropologie
sociale (EHESS/CNRS/Collège de France). Il a publié plusieurs livres
parmi lesquels : Télévision, Grasset, 2005, La mascarade des sexes,
Calmann-Lévy, 1994, Les fleuves immobiles, Calmann-Lévy, 1994. Il a
également réalisé trois films, chroniques de séjours passés chez des
peuple des Hautes-Terres de Nouvelle-Guinée, les Wodani, et chez les
Kirghizes, diffusés sur Arte : Eux et moi, Les films d'ici & Arte, 2001 ; Ciel dans un jardin, Les films d'ici & Arte, 2003, Un été silencieux, 2006.
les auteurs
Michèle Coquet, anthropologue, chargé de recherches au CNRS, membre
du laboratoire « Systèmes de Pensée en Afrique Noire » (EPHE/CNRS)
Michael Houseman, anthropologue, directeur d’édudes à l’Ecole
pratique des Hautes Etudes, directeur du laboratoire « Systèmes de
Pensée en Afrique Noire » (EPHE/CNRS)
Jean-Marie Schaeffer, philosophe, directeur de recherche au CNRS,
directeur du Centre de recherche sur les arts et le langage
(CNRS/EHESS)
Anne-Christine Taylor, anthropologue, directeur de recherches au
CNRS, membre de l’équipe de recherche en Ethnologie amérindienne
Eduardo Viveiros de Castro, anthropologue, professeur
d’anthropologie au Museu Nacional do Brasil, Rio de Janeiro, directeur
de recherches associé à l’équipe de recherche en Ethnologie
amérindienne (CNRS).
Qu'est ce qu'un corps?
Pendant
18 mois, la grande exposition d’anthropologie porte sur les enjeux
universels des relations entre les hommes ; elle est l’aboutissement
d’une recherche scientifique transversale.
galerie suspendue Ouest (billet d’entrée du musée) jusqu'au 23 septembre 2007
Qu’est-ce qu’un corps ? À cette question, la première grande
exposition d’anthropologie du musée du quai Branly propose une réponse
inattendue. Elle invite le visiteur à comparer la manière dont le corps et la personne sont représentés dans quatre régions du monde : Afrique de l’Ouest, Europe occidentale, Nouvelle-Guinée, et Amazonie.
Contre l’idée typiquement occidentale du corps comme siège d’une
irréductible singularité, l’équipe d’anthropologues dirigée par
Stéphane Breton montre qu’aucune société humaine – y compris la nôtre,
malgré ce qu’elle croit – ne fait du corps une « chose privée », un
objet strictement individuel. En effet, le corps est compris par
différents peuples comme un produit semi-fini qu’il faut achever : il
est l’objet d’un travail, d’une « fabrication ». « Je ne suis pas seul dans mon corps» : par le corps, l’individu noue une relation avec « quelque chose qui
n’est pas soi », qui change selon les cultures. Le corps est le lieu
d’expression d’une confrontation : masculin/féminin, vivant/non-vivant,
divin/image, humain/non-humain… Autant d’oppositions qui se retrouvent
dans les productions rituelles, sociales, artistiques (sculptures,
objets, images du corps…) présentées ici.
Il
s’articule autour de quatre grands axes qui mettent l’accent sur une
zone géographique bien déterminée en offrant chaque fois une vision
différente de cet « autre » qui constitue le corps, à savoir, les morts
pour l’Afrique de l’Ouest, le divin pour l’Europe, l’autre sexe pour
la Nouvelle-Guinée, et le règne animal pour l’Amazonie.
1 - l’Afrique de l’Ouest
le corps et ses doubles (les ancêtres, les fondateurs mythiques et le génie de la brousse)
Dans les sociétés d’Afrique de l’Ouest comme les Dogon, les Bambara,
les Sénoufo ou les Lobi, le façonnement du corps est inséparable de la
relation étroite qui unit les vivants à leurs ancêtres, garants de
prospérité et de fécondité. Par ailleurs, les hommes vouent un culte
aux êtres mythiques qui auraient fondé le village à l’origine. Ces
figures emblématiques s’incarnent en des sculptures à représentation
humaine. La troisième, tout aussi constitutive du corps, se
manifeste à travers le génie de la brousse, sorte d’esprit abstrait et
intangible qui, comme les autres doubles, préexiste au corps et lui
survit.
« le corps est de la terre » L’homme crée des formes, des autels composés d’éléments non figuratifs issus généralement de la terre et figurant les ancêtres.
« le nouveau-né est un étranger » Le nouveau-né
appartient au monde des ancêtres et des génies. Un certain nombre de
rituels dont la circoncision et la scarification lui permettront de
devenir une personne à part entière.
« jeux de miroirs » La statuaire renvoie l’image
de figures mythiques exemplaires. La noblesse de l’attitude, les
attributs, insignes de puissance, de sagesse et de richesse, les
marques attestant un pouvoir de fécondité participent de la qualité
plastique d’une œuvre et de son efficacité symbolique.
La sculpture est ainsi le contrepoint plastique et nécessaire à la
représentation informe ou informelle des ancêtres et à l’invisibilité
des génies.
2 - Europe occidentale
le corps est image
Dans l’Europe chrétienne, l’idée de l’Incarnation, dont le Christ
reste le parfait symbole, est fondamentale. L’homme, selon cette
conception, a été créé à l’image et à la ressemblance de Dieu et le
corps, lieu de l’imitation, s’impose comme le signe et l’instrument
de cette relation au divin. Mais dans le monde moderne, en partie
déchristianisé, la transcendance a pris d’autres formes et trouve dans
le modèle biologique, un nouvel idéal de beauté. Cette partie de
l’exposition, qui s’attache aux différents modes de représentation du
corps en Occident, montre des images souvent dégradées ou déformées,
flottant comme des lieux communs dans l’espace. Confrontée à cet
univers virtuel, figure une seule sculpture, œuvre romane du XIIe
siècle qui représente le Christ en croix.
3 - Nouvelle-Guinée
la matrice masculine
En Nouvelle-Guinée, les théories de la procréation selon lesquelles
l’embryon est formé par le mélange de la substance sexuelle du père (le
sperme) et de la mère (le sang), aboutissent à l’idée que le corps est
un composé masculin et féminin. L’être humain serait donc
fondamentalement androgyne.
« transformation du contenu en contenant » Le corps masculin est un corps contenu contrairement au corps féminin qui est un corps contenant. S’il
veut se perpétuer, l’homme doit réaliser ses propres capacités
maternelles, devenir un corps englobant, un corps fécond qui contienne
quelque chose. Cette ambition est réalisée de manière symbolique par
les rites d’initiation au cours desquels on utilise des sculptures
rituelles figurant la transformation du corps contenu en corps
contenant. Dans le Golfe de Papouasie, c’est par la dévoration que
le corps masculin affirme sa féminité. De cette manière, l’objet
masculin englouti devient un objet englobant. Dans la région du
Fleuve Sépik, les crochets et tubes phalliques ornant les objets
rituels se rejoignent pour transformer le corps masculin en organe
d’engloutissement.
« le corps féminin est la forme idéale du corps masculin » La
forme idéale et ritualisée du corps viril accompli est représentée par
un ancêtre masculin portant un pagne féminin, par un crocodile ou un
monstre de vannerie mettant symboliquement au monde les garçons par
dégorgement ou excrétion. C’est un corps dont la matrice maternelle a
fourni le modèle plastique et qui devient un corps social, permettant
aux pères de se perpétuer dans leurs fils.
4 – Amazonie
un corps fait de regards
En Amazonie, dans les basses terres d’Amérique du Sud, le corps n’a
pas de forme propre. Il prend celle que lui impose le rapport
particulier entretenu avec tel autre sujet en fonction des regards
échangés, entre celui qui perçoit et celui qui est perçu. Avoir un corps humain est un état relatif qui dépend aussi de la relation de prédation.
« corps de parent » Avoir un corps humain
implique des dispositions morales à l’égard de ses congénères et des
non humains. Ces dispositions, inscrites dans le corps, sont signalées
par le vêtement et l’ornementation. Les plumes de certains oiseaux,
par exemple, sont destinées à faire savoir qu’on possède des capacités
à vivre en couple ou « en parents ».
« corps de proie et de prédateur » La solitude,
la faiblesse, la maladie et la mort signalent que notre corps est
devenu une proie, victime d’une prédation invisible. Devenir un
prédateur, au contraire, c’est voir autrui comme une proie. Cette
métamorphose est signalée par des parures de dents et de griffes, par
des peintures, par des comportements singuliers. Les esprits
prédateurs sont souvent matérialisés par des masques ou des trophées
humains. Ces effigies, toujours pourvues d’yeux et de crocs,
matérialisent le corps de non humains animés de dispositions hostiles à
l’égard des vivants.
en relation avec l'exposition...
... quelques vitrines du parcours permanent de l'exposition à découvrir.
Afrique de l’Ouest
Une belle sculpture bamana est présentée seule dans la vitrine AF
028, une autre est montrée aux côtés de deux autres statuettes
féminines dogon et mossi dans la vitrine AF029. Les vitrines AF
030 avec de la statuaire Sénoufo, et AF 061 avec un choix important de
sculptures lobi permettront de prolonger la visite.
Nouvelle-Guinée
La vitrine OC 004 présente deux crochets et une planche malu liée au
rite de passage des jeunes hommes et la vitrine OC 005 ne contient que
des crochets. Nous retrouvons un crochet accompagné d’un masque dans la
vitrine OC 008. Une série de masques au long nez est également visible
dans la vitrine 0C 024 tandis que la vitrine OC 023 propose des
statuettes d’ancêtres de clans dont un intéressant mortier à bétel.
Amazonie
Les vitrines AM 020 et AM 023 offrent au regard un grand éventail de
parures de plumes. La vitrine AM 022 contient une seule grande coiffe
mojo de Bolivie, impressionnante par la richesse de ses couleurs.
qu’est-ce qu’un corps ?
commissaire général d’exposition : Stéphane BRETON scénographie : Frédéric DRUOT
Il s’agit de s’attarder sur la notion de métissage, sujet
d’actualité s’il en est, en confrontant le lecteur à une série
d’oppositions communes, remettant en question le goût marqué de
l’Occident pour le dualisme : classique/ethnique, antique/classique,
primitif/premier, folklorique/colonial, exotique/typique…
Exposition et publication s’ouvrent sur des questions liées à l’idée
de métissage qui conduisent, presque sans transition, à une exploration
des mémoires. Ces éléments incitent logiquement à réfléchir sur la
manière dont se sont « fabriqués » les objets métis dont il est souvent
malaisé de définir les contours. Ils pourraient être définis comme
l'expression d'une création humaine surgie à la confluence des mondes
européens et des sociétés d'Asie, d'Afrique et d'Amérique. Ils se
situent au cœur d’une histoire planétaire qui se joue depuis le XVe
siècle jusqu’à nos jours.
Après plusieurs étapes qui feront découvrir nombre d’œuvres peu
connues, le parcours s’achève par une rencontre avec les imaginaires
métis contemporains, notamment à travers les cinématographies
asiatiques et hollywoodiennes.
descriptif
184 pages au format 24 x 26 cm
150 illustrations environ
Prix de vente public : 45 €
Couverture cartonnée
Isbn 978-2-7427-7344-2/978-2-915133-81-3
Coédition musée du quai Branly/Actes Sud
commissaire d'exposition
Serge Gruzinski est historien ; directeur de recherche au CNRS, et
directeur d'études à l’EHESS, il est l’auteur de plusieurs livres
fondateurs. Après avoir consacré un ouvrage à la guerre des images que
s’étaient livrée les Espagnols et les Indiens mexicains durant les
premiers siècles de la colonisation (Guerre des Images – de Christophe
Colomb à « Blade Runner » (1492 – 2019), Fayard, 1990), il signe, en
1995, un essai plus largement développé : La pensée métisse. Il est
également l’auteur de L’aigle et la sibylle, Fresques indiennes du
Mexique, paru chez Actes Sud / Imprimerie nationale.
Planète métisse : to mix or not to mix
18 mars 2008 - 19 juillet 2009
Métissages, colonisation, mondialisation, "choc des civilisations"...
Rendant compte du contact des peuples et des traditions, de la
coexistence d'identités mélangées, la notion de métissage traduit une
manière de concevoir les rapports entre altérités. L'exposition Planète Métissesouhaite susciter l'imaginaire des visiteurs dans le cadre d'un
parcours qui fait dialoguer les objets entre eux, du XVème siècle à nos
jours. Elle analyse les répercussions de l'expansion européenne,
principalement ibérique, sur les autres civilisations et les influences
croisées entre Est et Ouest dans le sillage des grandes expansions,
chinoise et musulmane notamment. Cette exposition sur les objets et les
arts métis met en valeur la richesse des productions artistiques issues
du métissage des manières de faire et de croire, de créer et de
concevoir.
sous la direction de Serge Gruzinski - 224 p - coédition musée du
quai Branly et Actes Sud - 45 €. Pour plus d'information sur le
catalogue, cliquer ici
carnet de l'exposition
- 16 p - 3 €
parcours audioguidé
Avec l’audioguide « Planète Métisse », Serge Gruzinski, commissaire
de l’exposition, Alessandra Russo, historienne et assistante du
commissaire, et Boris Jeanne, historien, vous accompagnent tout au long
du parcours de l’exposition.
Paris, ville métisse
Une journée de découverte consacrée aux métissages : après la visite
de l’exposition, partez à la découverte du quartier chinois de Paris...
Spécialiste
international du Nouveau Monde, Serge Gruzinski a déjà collaboré avec
le musée du quai Branly. En 2004, il avait la direction scientifique du
colloque « L’Expérience Métisse », qui proposait de confronter
différents regards sur la problématique du métissage dans les
civilisations du monde.
Serge Gruzinski est historien ; directeur de recherche au CNRS, et
directeur d'études à l’EHESS, il est l’auteur de plusieurs livres
fondateurs. Après avoir consacré un ouvrage à la guerre des images
que s’étaient livrée les Espagnols et les Indiens mexicains durant les
premiers siècles de la colonisation (Guerre des Images – de Christophe
Colomb à « Blade Runner » (1492 – 2019), Fayard, 1990), il signe, en
1995, un essai plus largement consacré à la « pensée métisse ».
Le jazz constitue, avec le cinéma et le rock, l’un des
événements artistiques majeurs du XXème siècle. Cette musique hybride a
marqué la culture mondiale de ses sons et de ses rythmes.
L’exposition, conçue par le philosophe et critique
d’art Daniel Soutif, présente de manière chronologique les relations
entre le jazz et les arts graphiques à travers tout le XXème siècle.
De la peinture à la photographie, du cinéma à la
littérature, sans oublier le graphisme ou la bande-dessinée,
l’exposition montre plus particulièrement le développement du jazz en
Europe et en France dans les années 30 et 40.
L’exposition
est articulée en dix sections chronologiques reliées entre elle par une
“timeline”, vitrine verticale traversant l’exposition où seront réunis
œuvres, objets et documents, partitions illustrées, affiches, disques
et pochettes, photographies…, chargés d’évoquer de façon directe les
principaux événements de l’histoire du jazz.
Cette timeline structurée par années constitue le fil rouge
de l’exposition que suivent les sections, elles-mêmes divisées en
salles thématiques ou monographiques.
1. Avant 1917
Il est évidemment impossible de dater précisément la “naissance” du
jazz. Mais depuis longtemps, on s’accorde à considérer l’année 1917
comme une charnière décisive. Cette date est marquée par deux
événements décisifs : l’un est la fermeture de Storyville, le quartier
réservé de la Nouvelle Orléans, dont les célèbres lieux de plaisir ont
été l’un des creusets du jazz (creuset dont la disparition provoquera
l’immigration des musiciens vers le nord des États-Unis, Chicago et New
York en particulier) ; l’autre événement-charnière est l’enregistrement
sinon du premier disque de jazz, du moins du premier disque affichant
le mot « jazz » sur sa pochette (ou, plus exactement : « jass »). Ce 78
tours de l’Original Dixieland ‘Jass’ Band comportait deux titres :
Livery Stable Blues et Dixie Jass Band One Step.
Les signes avant-coureurs — minstrels, gospel, cake-walk, ragtime… —
du phénomène musical qui s’apprêtait à bouleverser le siècle ont
inspiré de nombreux artistes bien avant cette date : les
Afro-américains, les Américains comme Stuart Davis ou les Européens
comme Pablo Picasso.
2. « Jazz Age » en Amérique 1917-1930
Cette deuxième section rend compte de la fantastique vogue du jazz
qui marque la culture américaine après la première guerre mondiale.
Cette vogue est telle qu’après son utilisation par F. Scott Fitzgerald
en titre de l’un de ses livres, l’expression « Jazz Age » sera
régulièrement reprise pour qualifier l’époque toute entière, voire une
génération, et plus seulement sa bande son.
Cette section s’ouvre par l’œuvre de Man Ray précisément intitulée
Jazz (1919) et réunit divers autres artistes américains ou résidant aux
Etats-Unis comme James Blanding Sloan, Miguel Covarrubias ou Jan
Matulka.
The King of Jazz, l’extraordinaire film de John Murray Anderson
dédié à Paul Whiteman, marque comme un bouquet de feu d’artifice la fin
de ces années qu’on a aussi dites « folles ».
3. Harlem Renaissance 1917-1936
L’un des faits les plus remarquables de cette période du « Jazz Age
» est l’émergence à Harlem (mais aussi dans d’autres grandes villes
américaines) d’une culture afro-américaine. La musique en est
certainement l’aspect majeur.
Sous la houlette de quelques figures incontournables comme Carl van
Vechten et Winold Reiss, de nombreux artistes (africains-américains ou
non) produisent au cours des années 20 une quantité considérable
d’œuvres tant littéraires que visuelles qui trouvent souvent dans la
musique bien plus qu’un sujet de prédilection. Cette section de
l’exposition est l’occasion de découvrir entre autres peintures,
dessins et illustrations d’Aaron Douglas, d’Archibald Motley, de Palmer
Hayden et d’Albert Alexander Smith.
4. « Jazz Age » en Europe 1917-1930
L’histoire est assez bien connue de la découverte par les Européens
des rythmes syncopés apportés par l’orchestre militaire de James Reese
Europe, lequel fut bientôt suivi par les spectacles venus de Harlem et,
tout particulièrement, par la célébrissime Revue nègre qui fit de
Joséphine Baker la coqueluche de Paris - et de Paul Colin une star de
l’affiche artistique.
De Jean Cocteau à Francis Picabia, de Kees van Dongen à Fernand
Léger, le virus du jazz pénètrera durant l’entre-deux-guerres tous les
aspects de la culture du vieux continent. Dès 1918, le dadaïste Marcel
Janco intitule Jazz une toile importante… Cette section évoque
également les séjours à Paris de quelques unes de figures de la Harlem
Renaissance, tel Albert Alexander Smith.
Il reviendra à Paul Colin le soin d’illustrer ce « Tumulte noir » par le biais de son fameux portfolio.
5. Les années Swing 1930-1939
Au « Jazz Age » succède la mode du Swing et des grands orchestres,
tels ceux de Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman ou Glenn
Miller, qui feront danser les foules sur le volcan des années trente.
Avec l’avènement du cinéma sonore, de nombreux films témoignent de
cette époque, et de prestigieux artistes puisent leur inspiration dans
la séduisante pulsation syncopée du jazz, comme Frantisek Kupka ou le
réaliste régionaliste Thomas Hart Benton. Durant cette période, la
plupart des artistes apparus dans le contexte de la Harlem Renaissance,
comme Carl van Vechten, ont naturellement continué de travailler tandis
que d’autres peintres afro-américains comme William H. Johnson
commencent leur carrière.
6. War Time 1939-1945
La seconde guerre mondiale marque de façon dramatique toute la
culture mondiale. Musiques aux armées et autres V-Disc seront sur tous
les fronts. Du coup le jazz et ses répercussions dans d’autres domaines
artistiques n’échappent naturellement pas aux atteintes de ce
cataclysme. Ainsi, c’est pendant ces années que Piet Mondrian, émigré à
New York, découvre le Boogie Woogie qui détermine de façon essentielle
ses derniers chefs d’œuvre. Pendant ce temps-là à Paris, alors que
l’accoutrement (Zoot Suit !) des “Zazous” — probablement baptisés
ainsi à partir d’un morceau de Cab Calloway — manifeste de façon
ironique une opposition, certes sans grand risque, à l’occupant,
Dubuffet se prend quelques temps de passion pour la musique qu’écoutent
ces jeunes gens et en tire quelques superbes tableaux et de très
vivants dessins. Matisse, quant à lui, élabore son célébrissime Jazz en
1943 … Côté danse américaine, le Jitterbug est maintenant le pas du
jour, salué par une magnifique série de peintures dues à William H.
Johnson.
Evénement d’importance primordiale pour le futur, la fin de cette
décennie voit un tout jeune graphiste encore inconnu, nommé Alex
Steinweiss, produire pour Columbia la première pochette de disque…
7. Bebop 1945-1960
La fin de la guerre coïncide avec l’avènement du Bebop, révolution
musicale lancée par Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk,
Miles Davis et quelques autres. Le jazz devient moderne.
Côté peinture, l’expressionnisme abstrait, ou Action Painting,
s’apprête à voir le jour. Quelques-unes des figures qui en seront les
vedettes trouvent leur inspiration non seulement chez les artistes
européens exilés aux Etats-Unis pendant la guerre, mais aussi dans la
musique de jazz qu’ils écoutent sans discontinuer, tel est le cas de
Jackson Pollock. Figuratif, mais proche par l’esprit de ce mouvement,
le peintre Larry Rivers, également saxophoniste, dédie plusieurs
tableaux à la musique qui le passionne. Artiste afro-américain,
figuratif mais indubitablement moderniste, Romare Bearden produit alors
de nombreuses œuvres liées à la musique de sa communauté. En Europe, un
Nicolas de Staël dédie certaines de ses plus importantes peintures à
une musique qui attire encore des foules de jeunes gens…sur le point de
se tourner vers le rock.
Cet après-guerre voit également surgir, avec le microsillon, un
nouveau champ artistique, mineur mais passionnant : celui de la
pochette de disque (Record Cover). Anonymes ou célèbres, comme Andy
Warhol, des dizaines de graphistes vont s’adonner à l’exercice de
séduction du mélomane au format 30 X 30 cm. Grand consommateur
d’images, cet art très appliqué offrira à certains grands noms de la
photographie, notamment à Lee Friedlander, un commencement de carrière
étincelant. D’autres photographes franchement spécialisés, comme Herman
Leonard, s’y conquièrent une notoriété considérable.
Le cinéma des années cinquante s’est souvent laissé contaminer par
ce jazz moderne, si facilement capable d’adapter ses rythmes et ses
couleurs expressives aux images en noir et blanc d’alors : parmi des
dizaines d’autres longs métrages, en témoignent emblématiquement
l’Ascenseur pour l’échafaud de Louis Malle (avec la musique de Miles
Davis) ou le Shadows de John Cassavetes (avec celle de Charlie Mingus).
8. West Coast Jazz 1949-1960
La vulgate de l’histoire du jazz veut que le Bebop ait été noir et
new-yorkais et que lui ait répondu, à l’ombre des studios de cinéma de
Hollywood, un West Coast Jazz, si « frais et raffiné » que certains
n’ont pas manqué de le juger efféminé. A nuancer considérablement,
cette façon de voir les choses n’est pas complètement fausse. La
comparaison du graphisme des compagnies de disques basées sur chacune
des côtes illustre cette opposition : plages ensoleillées et blondeur
virevoltante à l’ouest des photographies de William Claxton, lettrage
géométrique et portraits de musiciens noirs à l’est… De nombreux
jazzmen fameux de la côte Ouest, le plus souvent blancs il est vrai,
gagnent alors confortablement leur vie en concoctant les musiques du
cinéma hollywoodien, qui porte donc leur trace si caractéristique… Cela
ne les empêche pas d’aller jammer le dimanche dans des clubs dont la
Lighthouse d’Howard Rumsey restera le symbole.
9. La révolution Free 1960-1980
En 1960 paraît l’album Free Jazz d’Ornette Coleman. Avec son titre à
double entente (« libérez le jazz / jazz libre »), ce disque dont la
couverture s’ouvre sur une reproduction du White Light de Jackson
Pollock, marque une nouvelle redistribution des cartes : après la
période moderne, vient le moment de l’avant-garde libertaire…
À cette “révolution Free” contemporaine des mouvements de libération
des noirs — Black Power, Black Muslims, Black Panthers… ¬— répondent
dans les arts plastiques les travaux d’artistes comme le météorique Bob
Thompson. Cette période est aussi celle où, liberté aidant, l’Europe
donne sa version de la Free music, dans des performances parfois
proches de l’esprit Fluxus. Parmi les nombreux effets de cette
ouverture, on peut signaler Carnet de notes pour une Orestie africaine
(Appunti per un Orestiade africana), l’étonnant brouillon de film dans
lequel Pier Paolo Pasolini invita les improvisations du free jazzman
Gato Barbieri à rencontrer à la fois Eschyle et l’Afrique.
10. Contemporains 1980-2002
Les arts plastiques ont commencé à recourir régulièrement à
l’adjectif “contemporain” au détour des années 60, probablement parce
que le terme “moderne” ne collait plus très bien aux nouvelles formes
alors en gestation. L’expression “jazz contemporain”, en revanche,
n’est pas passée dans les mœurs : dans les “Mondes du jazz” (pour
reprendre le titre d’un livre d’André Hodeir), les époques cohabitent
et, aujourd’hui, se marient et se mêlent parfois. L’exposition donne un
aperçu des deux dernières décennies en soulignant la prédominance de
trois pôles : le premier, sous la houlette de Wynton Marsalis,
historicise le Bebop de façon presque académique, à l’instar de la
musique dite classique, et l’invite régulièrement uptown sur les scènes
distinguées du Lincoln Art Center de New York ; le second, avec John
Zorn pour chef de file, poursuit et développe la tradition libertaire
et avant-gardiste héritée du Free et s’est installé Downtown dans de
petits clubs plus ou moins autogérés, où est souvent célébrée la
composante juive — Great Jewish Music, annonce le titre d’une série de
disques dirigée par Zorn où figure notamment un album d’hommage à Serge
Gainsbourg ; le troisième est, tout simplement, le reste du monde, et
en particulier l’Europe où de nombreux musiciens de grand talent
démontrent chaque jour l’universalité du jazz et de ses multiples
descendances sans faire plus que cela référence à un modèle américain.
Aussi, la présence du jazz dans les arts contemporains reste
considérable. En témoignent nombre de tableaux imprégnés de Black Music
peints par Jean-Michel Basquiat au cours de sa brève carrière, telle ou
telle vidéo d’Adrian Piper ou de Lorna Simpson, ou encore cette
admirable photographie de Jeff Wall inspirée par le prologue de The Invisible Man de Ralph Ellison.
Titrée Chasing the Blue Train, la grande installation
réalisée en 1989 par le mythique artiste afro-américain David Hammons -
avec son petit train jouet toujours en marche, ses tas de charbon et
ses caisses de piano dressées sur le flanc - fournit à l’exposition
tout entière la conclusion suivante : si le XXème, ce siècle du jazz,
est bel et bien fini, le train de la musique qui l’aura accompagné,
plus peut-être que tout autre, est quant à lui toujours en mouvement.
du mardi 10 novembre 2009 au dimanche 31 janvier 2010
commissariat : Gaëlle Beaujean, responsable de collections Afrique au musée du quai Branly
avec la collaboration de Joseph Adandé, historien de l’art à l’Université d’Abomey-Calavi et de Léonard Ahonon, gestionnaire et conservateur du site des palais royaux d’Abomey
Cette exposition présente, à travers 82 œuvres et 8 documents
graphiques anciens, les artistes du royaume du Danhomè (1600-1894),
dans l’actuel Bénin.
Elle a pour objet de présenter leurs œuvres mais aussi d’interroger
leur rôle et leur statut au sein de la société danhoméenne, et plus
spécifiquement dans la capitale Abomey. En effet les artistes, choisis
par le roi, jouissent de grands privilèges tout en étant contraints par
leur allégeance. L’exposition explorera à travers leurs créations les
différentes fonctions de l’art à Abomey.
Il s’agit par ailleurs d’associer des artistes et des familles
d’artistes à chaque type d’objets présentés. Cette nouvelle approche
est le fruit d’un travail de recherche mené par l’équipe scientifique,
qui a abouti à une attribution –parfois très fine- de certains objets.
L’exposition propose enfin un double regard sur les œuvres
présentées : celui du pays d’origine (grâce à la participation de deux
scientifiques béninois) et celui de la commissaire française.
parcours de l’exposition
Après un espace introductif présentant une carte ancienne et une
généalogie des rois d’Abomey, l’exposition présente le statut et le
rôle de l’artiste au sein de la société danhoméenne en cinq séquences.
la mémoire des noms
Cette séquence présente les sculptures de six artistes identifiés
nommément, cas relativement rare dans l’art africain. Y seront présents
quelques chefs d’œuvres de l’art d’Abomey, parmi lesquels la statue du
dieu Gou d’Akati Ekplékendo, ou les statues des rois Glélé et Béhanzin,
de Sossa Dede
l’artiste de cour, Maître - servant
Il sera question dans cette séquence d’expliquer la place des
artistes : comment le devient-on ? Quels sont les avantages du Maître,
les indices de l’asservissement ?
Les artistes créaient pour le roi des regalia et narraient ses
exploits. Cette séquence réunira à la fois les emblèmes royaux et les
œuvres porteuses de l’histoire officielle.
On y verra notamment une récade précieuse en ivoire, deux trônes marquant le pouvoir du roi de manière imposante.
Des informations sur le terrain ont permis de déterminer l’usage et
les emplacements de certaines œuvres dans les palais. Les rois
possédaient des objets exotiques, des typologies de sculptures comme
les ibeji (statuettes de jumeaux yoruba).
Sous le vocable « trésor de Béhanzin » sont rassemblées certaines de
ces pièces saisies par les officiers français. Une partie de ce «
trésor » constitue la quasi-totalité de cette séquence.
la distinction par les arts
Les artistes intervenaient également pour des dignitaires et les
soldats, ici les amazones. La possession d’œuvres provenant des
ateliers royaux constituait un privilège.
Quatre catégories de personnes étaient ainsi honorées :
le
premier ministre ou migan : très proche du roi, il était notamment
chargé d’exécuter les prisonniers pendant les coutumes annuelles
destinées à communiquer avec les ancêtres royaux
les amazones, femmes soldats de l’armée du Danhomè
le prêtre d’Héviosso (divinité du tonnerre)
les devins pour lesquels les artistes réalisaient le matériel de géomancie
Cette
séquence montre notamment deux couteaux et une tenue que le ministre
portait pour les décapitations, ainsi que la précieuse récade du prêtre
d’Héviosso.
sur les murs des Palais
Les artistes d’Abomey sont enfin intervenus sur les murs, les
portes, les piliers des palais royaux. L’exposition présentera des
bas-reliefs et des portes en bois issus de ces palais.
En regard, les acryliques sur toile de l’artiste Cyprien Tokoudagba
permettront d’aborder la réalité de l’art contemporain à Abomey,
toujours vivant et inspiré des œuvres d’art des ateliers royaux passés.
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du mardi 10 novembre 2009 au dimanche 31 janvier 2010
commissariat : Sarah Frioux-Salgas
Présence africaine est la revue littéraire et culturelle
fondée par l’intellectuel sénégalais Alioune Diop en 1947, devenue
également une maison d’édition à partir de 1949. Elle a été un outil de
diffusion qui a permis aux intellectuels et écrivains noirs de
revendiquer leurs identités culturelles et historiques que le contexte
colonial niait ou « exotisait ».
Cette exposition présente de nombreux ouvrages et documents
d’archives, des photographies et quelques objets. Des enregistrements
sonores et audiovisuels occupent également une place importante :
documents d’époque et interviews spécialement réalisés pour cette
exposition ponctuent le parcours.
Il s’agit de donner à voir l’émergence et l’influence d’un
mouvement, d’une tribune pour la pensée et les revendications du monde
noir à une époque où la majeure partie de l’occident en avait une
vision déformée, voire dépréciatrice.
parcours de l’exposition
L’exposition présentera 4 sections, précédées d’une séquence introductive.
ouverture de l’exposition
C’est un objet Dogon qui se trouve être le symbole de la revue, et
qui fera l’ouverture de l’exposition. Il s’agira de présenter
succinctement la revue et la maison d’édition Présence Africaine, et de
rappeler la pertinence d’une telle exposition aujourd’hui. Des
interviews de personnalités phares du mouvement seront diffusées.
section 1 L’Atlantique noir du panafricanisme à la négritude
La revue Présence Africaine est l’héritière d’une part d’une «
presse noire » qui existait en France dans les années 1920-1930, et
d’autre part, d’un mouvement politique et culturel international.
Quatre grands ensembles sont distingués dans cette séquence,
présentant à la fois la vie culturelle, politique et intellectuelle
parisienne liée à la « vogue nègre » et le caractère international des
débats :
les influences des Noirs Américains et des intellectuels d'Haïti
Paulette Nardal et son salon littéraire
les militants pour l’égalité des droits, contre le colonialisme et contre la ségrégation
la Négritude
Cette
section présente essentiellement des documents d’archives, notamment
des exemplaires inédits de la presse noire engagée d’entre deux
guerres, ainsi que de la Revue du monde noir de Paulette Nardal
section 2 la revue et la maison d’édition Présence Africaine : un projet, des engagements
Cette séquence présente quels étaient le projet et les engagements de Présence Africaine et comment son fondateur, Alioune Diop, a réussi à fédérer tous les acteurs des diasporas noires.
Présence Africaine a publié tous les grands textes de
Césaire ; elle a participé à la diffusion, par une traduction anglaise,
du texte sur la négritude de Jean-Paul Sartre « Orphée Noir » (1948),
et a également édité le célèbre ouvrage de Cheik Anta Diop, Nations
nègres et cultures (1954).
Deux grands ensembles sont distingués dans cette séquence :
création de la revue : « N'iam goura ou raison d'être de Présence Africaine »
les engagements éditoriaux : de l’inventaire des cultures noires à l’anticolonialisme
Cette
section présentera entre autres d’exceptionnels documents manuscrits de
Sartre et de Breton, ainsi que des photos originales d’Alfred Metraux.
De grands mouvements et figures de l’histoire et de la culture noire
seront évoqués, tels que les Black Panthers ou Malcolm X.
section
3 1956-1959 : les intellectuels noirs débattent. Les congrès des
artistes et écrivains noirs (Paris Sorbonne, 1956 – Rome, 1959)
Deux congrès des artistes noirs ont été organisés par Présence Africaine: les deux manifestations de 1956 et 1959 ont en effet été
essentiellement initiées et organisées par Alioune Diop qui a tenté
d’appliquer, dans la pratique, les principes développés dans ses
engagements éditoriaux.
L’objectif de ces congrès, qui se déroulent aux moments de la
colonisation, de la Guerre froide, de l’apartheid et de la ségrégation
raciale aux Etats-Unis, était de faire un inventaire et un état des
lieux de la culture en Afrique, de réfléchir à la situation des noirs
dans le monde. Cette séquence est ainsi l’occasion d’évoquer les débats
qui animaient le monde littéraire et intellectuel noir des années
1950-1960.
Des exemplaires originaux des affiches réalisées par Picasso pour
les deux congrès, des photographies et des enregistrements audio
inédits illustrent cette section.
section 4 Dakar 1966 : les arts d’Afrique en Afrique
En organisant les deux congrès, Présence Africaine a offert
une tribune aux intellectuels et aux écrivains de la diaspora noire. En
initiant et en participant activement à l’organisation du Premier
festival mondial des arts nègres (Dakar, 1966), Présence Africainepoursuit son travail de valorisation de la richesse et de la diversité
des pratiques artistiques des Africains mais aussi de la diaspora.
Ce festival est le premier grand évènement culturel organisé en
Afrique par un jeune Etat africain indépendant. Cet évènement fut donc
aussi un enjeu politique fort pour Léopold Lédar Senghor, président de
la jeune république du Sénégal.
Trois grands ensembles sont distingués dans cette séquence :
organisation à Dakar du Premier festival mondial des arts nègres (avril 1966)
les évènements multiples lors du festival
exposition sur « l'art nègre » : de Dakar (avril 1966) à Paris (Grand Palais, juin 1966)
Dans
cette section, outre les affiches et programmes d’époque, sont
présentés une partie des objets exposés à Dakar lors de l’exposition de
1966. Une installation vidéo donne en outre un aperçu de la richesse
des arts vivants lors du festival.
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